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ABC MADRID 29-10-2017 página 75
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ABC MADRID 29-10-2017 página 75

  • EdiciónABC, MADRID
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ABC DOMINGO, 29 DE OCTUBRE DE 2017 abc. es cultura CULTURA 75 El nuevo Whitney de Nueva York acogió, recién inaugurado, una gran retrospectiva de Frank Stella entre octubre de 2015 y febrero de 2016 ABC Una de las obras más significativas de Stella ABC parte generada por accidente. La pintura abstracta, que era lo que yo quería hacer, se expresa en relación con algo que empezó con Mondrian y Malévich y que es una forma de pintura geométrica. La idea de fondo era que tenías una superficie uniforme y trazabas un motivo geométrico, pero los motivos geométricos dividían el espacio. Yo buscaba algo que siguiese siendo una especie de geometría, pero más dinámica o fluida, y entonces algo sucedió por accidente. Me concentré en una pintura de Malévich. Consiste en un fondo blanco con un rectángulo negro, y tiene un triángulo azul encima del rectángulo. Se me ocurrió que lo interesante era que lo que hacían la mayoría de las pinturas geométricas era poner un elemento encima de otro, y lo que buscaba era lograr que el triángulo penetrase el rectángulo de manera que lo rodease, y hacer un lienzo con forma. Era como eliminar el fondo de Mondrian y permitir que el triángulo y el rectángulo negro existiesen en el mismo plano. Era una manera diferente de ver la geometría, pero me parecía más dinámica y estimulante, y me ofrecía muchas posibilidades. Todo es culpa de Malévich. -En 1970, a sus 33 años, el MoMa presenta su primera retrospectiva y su último reconocimiento ha sido la Medalla Nacional de las Artes concedida por el presidente Barack Obama. ¿Cómo le afectan estos reconocimientos en su vida y en su obra? -He tenido la fortuna de vivir muchos años. En cierto modo no lo pensé demasiado. Fue muy emocionante, pero yo no era más que uno de los muchos artistas relativamente jóvenes que tenían una carrera apasionante y que habían logrado el éxito. Todos trabajábamos mucho, circulaban muchas ideas y pasaban muchas cosas. Al mismo tiempo Las ideas de los críticos A veces los críticos son más infantiles que los artistas, con ideas como que no hay dónde ir, que todo es negro que se celebraba mi exposición se estaba haciendo pintura de campos de color, arte pop, estaba la segunda generación del expresionismo abstracto, por no hablar de lo que estaba pasando en la escultura, con Michael Heizer, Richard Serra y Chamberlain. Así que estaban pasando tantas cosas que nunca me sentí aparte; me sentí parte de ello. -Sus series Moby Dick parecen una obsesión: las dedicó 10 años intermitentes. ¿Qué le impactó de ese libro? -Por encima y más allá del poder y la belleza de la narración y el increíble lenguaje de Melville, la historia habla de recorrer el mundo, de viajar, y para mí en eso había algo que te permitía una increíble libertad. Puedes tomarte mucho tiempo y no todo tiene que ser lo mismo. Eso permitía introducir diferentes ideas y maneras de pensar en las cosas. Tenía un final muy abierto y, al mismo tiempo, te daba una estructura o un guión con el que trabajar. ¡Qué Dios acabe con nosotros, si nosotros no acabamos con Moby Dick! ¿Cuál ha sido su batalla imposible? -No creo que haya tenido ninguna. En nuestra época, los artistas consideran que libran una batalla enorme contra la dificultad de hacer arte, pero esto no siempre ha sido verdad. Yo crecí de manera muy convencional, en una familia ítalo- americana católica, y nunca me preocupé por Dios. De hecho, cuando me hice mayor, me gustaba Dios porque tenía muy buen gusto para el arte. Me pareció que era una figura afín. -En un momento de su carrera crece su interés por la escultura y la arquitectura. ¿El estimulo de estas disciplinas fue en detrimento de la pintura? -No es exactamente en detrimento de la pintura. Utilizando el Renacimiento como referencia, casi todos los que hacían arte también eran capaces de hacer arquitectura y escultura. Me refiero a que puedes componer música y también tocar el piano o el saxo- fón. Pero tengo que decir que, cuando era joven, la arquitectura me influyó. Frank Lloyd Wright fue una gran influencia. En la ciudad donde crecí teníamos una biblioteca muy buena de H. H. Richardson, un famoso arquitecto estadounidense del siglo XIX que había desarrollado una especie de románico en EE. UU. ¿A qué se debe el barroquismo de los últimos años? -Supongo que es un cambio. Durante un tiempo fue minimalismo, y luego maximalismo. Como se suele decir, uno echa el resto, o casi. Es más fácil añadir ingredientes, pero no es demasiado programático. La cuestión es cómo se interrelacionan las cosas y lo que la idea invita a pensar. A veces me resulta un problema y me va mejor cuando elimino cosas que cuando añado otras. ¿Cree que ha cambiado el arte desde Chauvet, Lascaux o Altamira? -Ha cambiado, pero me gusta el arte prehistórico porque es muy directo. La gran idea fue representar lo que veías. Lo importante era la observación. Se dicen muchas cosas acerca de la magia y el misterio, pero creo que son erróneas. Ellos no sabían nada del desarrollo del arte. Intentaban representar y convivir con lo que veían. Podrían haber pintado muchas representaciones de plantas o de árboles, por ejemplo, pero en vez de eso las hicieron de animales porque eran una parte muy importante de su vida. ¿Cómo ve el arte actual? -Es una versión interesante de lo que pasó en la década de 1960. Es un poco complicado, porque hay más artistas y más oportunidades que nunca. Desde un punto de vista no demasiado positivo, se podría decir que se ha expandido pero... ¿son mejores las creaciones? No sé si es lealtad a mi generación, o la manera en que he madurado, pero no veo que la calidad del arte haya experimentado un desarrollo espectacular.

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