ABC CORDOBA 12-04-2015 página 69

ABC DOMINGO, 12 DE ABRIL DE 2015 abc. es cultura CULTURA 69 THOMAS STRUTH THOMAS STRUTH Obras de Thomas Struth, de izquierda a derecha, Nabereznaja Reki Fontanki, St. Petersburg (2005) The Faez Family, Rehovot (2009) West 74 th Street, Upper West Side, New York (1978) y Tokamak Asdex Upgrade Interior 1, Max Planck IPP, Garching (2010) IGNACIO GIL cinco meses fotografiando e hice las fotos de las calles de Nueva York que ya conoce. Me limité a montar las copias sobre cartón y las pegué en la pared. -Fue profesor de fotografía en la Universidad de Arte y Diseño de Karlsruhe entre 1993 y 1996. ¿Cómo fue esa experiencia en la enseñanza? -Me gustó. Es decir, al principio fue raro, porque cuando empecé tenía 39 años y pensaba que era muy interesante ser profesor de Fotografía porque suena a contradicción. La razón es que, digamos, no hay una convención al respecto. Pensé mucho en lo que había aprendido de los profesores que había tenido e intenté analizar qué tenía de bueno y qué no. Luego lo junté todo y añadí algunas cosas importantes para mí y que ninguno de mis profesores había satisfecho de un modo u otro; pero me costó mucho tiempo encontrar mi papel. -En los años 80 colabora con el psi- coanalista Ingo Hartmann y realiza una serie de retratos de familia. ¿De qué manera afectó esta experiencia? -Aprendí mucho de fotografía. Ingo había desarrollado una idea con sus pacientes: estos tenían que contar una historia y crear un relato sobre lo que ellos creían que sufrían y cuál podría ser la causa. Él además les pedía que le llevasen tres o cuatro fotografías que mostrasen cómo era su vida familiar. Cuando nos conocimos descubrió que yo era fotógrafo y me dijo que hacía mucho tiempo que soñaba con recopilar fotografías como esas, reunirlas, trabajar con ellas y hacer una exposición en la institución en la que trabajaba. Le dije que sí, que me interesaba, así que reunimos las fotos de unas 35 personas. Cada una trajo dos o tres, de manera que teníamos 80 o 100. Las reproduje todas y las puse al mismo tamaño y en blanco y negro, porque eran en color y yo quería hacerlas más comparables. ¿Cuál es el significado del color y del blanco y negro en sus fotos? -Al principio usaba el blanco y negro porque no podía permitirme pagar los materiales. No tenía impresora en color. No tenía dinero para película en color o para el revelado. En cambio, las hojas de contactos y el blanco y negro eran muy baratos. Más tarde empecé a trabajar en color, pero cuando contemplas una vista en color, no lo haces de la forma correcta. Cuando fotografías en blanco y negro, la mirada es diferente, porque piensas más en el volumen cúbico, en la luz y la sombra y cosas así. Hay que prescindir de los colores; todo se juzga únicamente por la intensidad de la luz. Mientras que con el color, por supuesto, es lo único que miras. Contemplas una escena y resulta que hay un rojo brillante y un amarillo luminoso. Descubres el punto de atracción de la imagen allí donde hay un color dominante. Así que yo no miro los colores. Cuando tienes un cielo azul y fotografías en blanco y negro, el cielo no importa. Si lo haces en color, el azul es dominante y constituye un elemento intenso de la foto. Porque, cuando lo miras, el cielo es aire; pero en la foto es un color azul, es papel azul. Por eso, ahora, cuando quiero hacer una copia con el cielo azul, en el proceso de impresión mi intención es asegurarme de que parezca aire, y no pintura azul. La línea es muy delgada. -Hablábamos del proyecto Ingo. -En realidad representaban cierta manera de funcionar entre padres e hijos. Entre los hijos había celos, ignorancia, autoridad, ansiedad, y en las fotos real- Blanco y negro o color Cuando fotografías en blanco y negro la mirada es diferente. Hay que prescindir de los colores, todo se juzga únicamente por la intensidad de la luz mente se podía ver. Para mí fue una revelación. Cuando yo era niño (ya he hablado de esto antes) había un álbum de fotos de mi padre. En él aparecía durante la guerra con su uniforme de soldado, pero también de permiso. Por eso el álbum era muy importante para mí, porque quería saber por qué mi padre hablaba de ello como lo hacía. Pero, en realidad, ¿qué era lo que hacía? ¿en qué creía? Por eso me interesaba mucho mirar a menudo ese álbum de fotos de mi padre. Lo sacaba y miraba a mi padre cuando era joven, y me preguntaba qué estaría pensando. Intentas resolver cosas. No es que yo pudiese saber lo que realmente significaban, pero sí que parecía que no eran lo mismo que las historias que me contaba. No es lo mismo. Y eso fue lo importante con Ingo. Fue asombroso. -Sus fotografías de paisajes urbanos, Unconscious Places, parecen muy despersonalizadas. ¿Guardan alguna relación con los no- lugares del sociólogo y antropólogo francés Marc Augé? -No, lo que yo quería hacer no era eso. Todo ha sido creado por el ser humano. Lo que yo quería decir con el título Unconscious places es que cuando se diseña un edificio como este o como el otro, el curvilíneo, el arquitecto y la gente que lo paga o que da el permiso para hacerlo creen que tiene que ser contemporáneo. Pero, más allá de eso, inconscientemente, crea una atmósfera que irradia a la gente. Cuando la gente que vive allí, en aquellos edificios, mire por la ventana, siempre verá ese edificio. Y resulta que por ese lado es mucho más feo. Es decir, es algo que tiene un fuerte componente inconsciente muy importante para la atmósfera de la ciudad y para la gente que habita en el edificio en cuestión. El arquitecto no vive en él; vive en algún otro lugar. A lo mejor en una vieja granja, no lo sé, o en un edificio anterior a la guerra, más bonito. Y a lo mejor eso tiene algo que ver con la ira. En todas las ciudades subyace en abundancia esa energía atmosférica inconsciente. Eso era lo que yo quería destacar. -Los temas de su obra se asemejan a